Жизнь автора «Девушки с жемчужной сережкой» полна загадок: до сих пор неизвестно точное количество написанных им картин, а достоверность некоторых произведений вызывает подозрения. Эта статья расскажет вам несколько малоизвестных и удивительных фактов о Яне Вермеере.
Постоянные вопросы
Ян Вермеер «Вид Делфта», 1660-1661
Несмотря на колоссальную популярность, о Вермеере мало что известно. Под вопрос ставится даже точная дата его рождения, обычно отсчет ведут от времени крещения – 31 октября 1632 года. Исследователи считают, что большую часть жизни мастер жил в достатке, хотя писал не так часто – около двух картин в год. Однако, в какой-то момент дела художника стали ухудшаться, появились большие кредиты, так что после внезапной смерти семья долгое время распродавала имущество, в частности картины, чтобы иметь средства для существования.
«Девушка с флейтой», работа ранее приписывалась Вермееру
Долгое время имя художника было в забвении, поэтому судьбой работ никто не интересовался: на данный момент неизвестно точное число написанных Вермеером работ. Также искусствоведы испытывают большие сложности с их атрибуцией. В этом году оказалось, что одна из работ, приписываемых мастеру, не его авторства. Речь о картине «Девушка с флейтой» из собрания Национальной художественной галереи в Вашингтоне. Американские специалисты выяснили, что пигменты для верхних слоев краски перемолоты слишком грубо, в результате чего поверхность картины кажется шероховатой, что совсем не похоже на технику Вермеера. В расчет также брали манеру расположения теней на портретах и другие стилистические приемы.
Ян Вермеер «Девушка с жемчужной сережкой», ок. 1665
В итоге эксперты пришли к выводу, что картина принадлежит не кисти художника, а какому-то автору, близко знакомому с Вермеером, что странно: до сих пор считалось, что у мастера не было учеников или собственной школы.
«Девушка с жемчужной сережкой» недавно также удивила специалистов: в 2018 году во время масштабной реставрации выяснилось, что изначальный фон картины был не черным, а темно-зеленым. Исследователи отметили, что сережка, по всей вероятности, сделана вовсе не из жемчуга, а из венецианского стекла, олова или перламутра. А еще специалисты уточнили, что украшение могло выглядеть по-другому в оригинальном варианте, поскольку яркий белый блик могли поставить во время одной из предыдущих реставраций.
Не только девушки
Ян Вермеер «Маленькая улица», 1667
Вермеер известен многочисленными изображениями девушек в интерьере – они стоят у окна, разливают молоко или просто улыбаются. Для изображения поясных или поплечных портретов людей с необычным выражением лица или костюмом в Голландии XVII века даже придумали особый термин «трони» – к такому типу относится и «Девушка с жемчужной сережкой». Однако, художник писал и в других жанрах: в его арсенале есть библейские темы, городские виды и изображения мужчин.
Одна из самых больших по размеру картин Вермеера – вид родного Делфта ранним утром. На ней изображены реальные здания, например пивоварня, Кетельские ворота, Схидамские ворота, башня церкви, но для гармоничности композиции художник чуть уменьшил их размер.
Ян Вермеер, «Географ» ок. 1668—1669
Сейчас практически ни одно из строений не сохранилось в первозданном виде.
Еще одна городская работа – «Маленькая улица» в Делфте, жители которой занимаются своими каждодневными делами. Двое детей играют на тротуаре, одна из женщин стирает во внутреннем дворе, а другая – шьет на крыльце. Работы отличаются очень высокой степенью детализации – внимание уделено почти каждому кирпичу. В «Маленькой улице» также можно заметить подпись автора на стене дома в нижнем левом углу – стилизованные буквы IVMeer.
Ян Вермеер, «Астроном» ок. 1668
Помимо девушек в интерьере Вермеер писал и мужчин, в частности известны его работы «Географ» и «Астроном». Некоторые исследователи считают их парными из-за схожести обстановки и ряда одинаковых предметов, например, большого узорчатого покрывала на переднем плане и глобуса.
Из-за недостатка сведений о жизни и творчестве Вермеера искусствоведы вынуждены строить многочисленные догадки о сюжетах работ и их героях. Иногда утверждается, что изображенный мужчина – это натуралист, друг, а впоследствии и душеприказчик художника Антони ван Левенгук, однако достоверных подтверждений этой теории нет.
Использование камеры обскура
Многие художники активно интересовались научными достижениями своего времени, особенно оптическими. Вермеер мог пользоваться одним из таких приспособлений – камерой обскура. Дословно это «темная комната», которая со временем превратилась в черный ящик, с одной стороны которого вырезана круглая дырка, а на противоположной стене находится бумага или матовое стекло. Лучи света, под определенным углом проходя через круглое отверстие, как бы проецируют изображение за пределами камеры на бумагу или стекло. Одним из первых известных живописцев, обратившим внимание на устройство в художественных целях, стал Леонардо да Винчи.
Ян Вермеер «Кружевница», 1669-1670
Точных подтверждений этому нет, однако некоторые исследователи считают, что Вермеер использовал камеру для работы «Кружевница». В пользу этой версии говорит манера исполнения, в частности ракурс. Через размытый передний план, на котором нитки написаны общим мазком, без детализации, зритель видит фигуру девушки за столом. Сегодня такой прием используется повсеместно в фотографии, но для живописи того времени он был весьма необычным. Что характерно – подобное чередование планов характерно как раз для камеры обскура. О возможном использовании приспособления говорит и чрезмерно малый формат картины – она всего 21 см в ширину, а также у нее очень плоский задний фон.
Ян Вермеер «Офицер и смеющаяся девушка», ок. 1657
Под подозрение исследователей в использовании камеры обскура попала и другая работа художника – «Офицер и смеющаяся девушка». По их мнению, в картине много перспективных нюансов, характерных для использования оптического ящика. Например, фигура офицера слишком велика для всех окружающих предметов, карта на стене получилась слишком близко к зрителю, а пространство между ней и девушкой будто «схлопнулось». Также исследователи отмечают, что в произведении отсутствуют математические расчеты или единая точка схода линий при перспективном построении, которую художники обычно используют при создании композиции.
Интересно, что в фильме «Девушка с жемчужной сережкой» использованию камеры обскура уделено особое внимание: в одной из сцен Колин Ферт в образе Вермеера показывает ее своей служанке в исполнении Скарлетт Йоханссон.
Состояние на подделках
Фото: Коос Раукамп, Ван Мегерен в 1945 году пишет картину «Иисус среди книжников» для судебного эксперимента
Поскольку при жизни Вермеер не пользовался всеобщим признанием, а после смерти семья постепенно распродавала его работы, судьба многих из них до сих пор неизвестна. Этим с удовольствием пользовались фальсификаторы, самый известный из которых – Хан ван Мегерен – сделал целое состояние на подделках Вермеера. Ван Мегерен был художником-реалистом, но быстро понял, что на этом жанре в XX веке трудно сделать себе имя и состояние, а вот заработать на работах «старых мастеров» можно быстро и легко.
Хан ван Мегерен «Христос в Эммаусе, 1937
Одна из его первых работ – «Христос в Эммаусе» была сделана как раз «под Вермеера». Ключевой художественный критик того времени Абрахам Бредиус признал, что работа оригинальная, и ее приобрел музей Бойманса Ван Бенингена в Роттердаме. Дальше дело пошло по накатанной: по некоторым подсчетам ван Мегерен создал 13 подделок, из которых девять работ имитировали Вермеера.
По некоторым данным, в перерасчете на современный курс на своих подделках ван Мегерен заработал около 25-30 миллионов долларов. Художник основательно подходил к творческому процессу, например, покупал старые малоизвестные картины, чтобы «возраст» холста соответствовал задумке, стирал с них живопись и рисовал свою имитацию. Он старался пользоваться традиционными для классических мастеров технологиями – вручную из пигментов изготавливал краски. Кракелюры, то есть трещины красочного слоя, которые со временем появляются в живописных работах, ван Мегерен также научился имитировать.
Ян Вермеер «Христос в доме Марфы и Марии», 1665
Однако со временем ему пришлось сознаться во вранье, когда одну из работ «под Вермеера» захотел приобрести соратник Адольфа Гитлера Герман Геринг. Подделки таким образом вышли на международный уровень, ван Мегерена арестовали по подозрению в государственной измене.
Условия тюремного заключения для художника были невыносимыми, поэтому он сам рассказал, что его работы – ложь. Сперва никто не хотел в это верить: пришлось проводить эксперимент, в рамках которого ван Мегерен под наблюдением суда писал одну из картин-фальсификатов. В итоге суд признал, что художник виновен, и осудил его на год тюремного заключения. Однако, месяц спустя после вынесения приговора ван Мегерен умер от сердечного приступа.
Большая семья и волшебный синий цвет
Ян Вермеер «Молочница» 1658—1660
Публика любит Вермеера за спокойствие и созерцательность его картин: девушки в тишине занимаются своими делами – протирают окна, читают письма или наливают молоко. Часть исследователей считают, что созданный художником мир в подобных сюжетах был способом бегства от суеты собственного дома. Вермеер был единожды женат, супруга почти постоянно находилась в состоянии беременности, родив около 15 детей, из которых четверо умерли в младенчестве. Реальность художника таким образом была полна колыбелей, суматохи и постоянного детского крика.
Картины Вермеера благодаря покровительству нескольких меценатов продавались дороже полотен других местных художников, также он помогал своей матери в управлении трактиром, был деканом гильдии святого Луки. Большая семья требовала больших расходов, к тому же Вермеер не скупился на краски, а именно – на драгоценный ультрамарин. В его работах синий цвет отличается от похожих оттенков современников исключительной насыщенностью и светоносностью. Ультрамарин – пигмент из смеси полудрагоценного камня лазурита с олифой – стоил дорого, поскольку камень привозили в Европу из предгорий Памира. Художники старались использовать его экономно, как правило тонкой вуалью покрывая слой более дешевой краски.
Вермеер же ультрамарина не жалел, причем использовал его не только для непосредственно синих предметов – платков, покрывал, фартуков своих героинь, но и подмешивал его в другие цвета для создания сложных цветовых переходов.
Если осень чаще всего становилась поводом для меланхоличных рассуждений у художников, то весну все почти единогласно называют положительным явлением. Самым важным символом весны большинство художников считают цветы, но какие еще еще сюжеты искусство считает весенними?
Сандро Боттичелли «Весна» (1482)
Одна из самых популярных для обсуждения картин была написана художником Возрождения по заказу государственного деятеля Лоренцо де Медичи.
Он подарил романтичное произведение племяннику на свадьбу, которая происходила по политическим причинам. Точной трактовки современные исследователи знать не могут, но большинство считает, что на картине изображена богиня любви Венера, богиня цветов Флора и бог западного ветра Зефир. Ботаники насчитали на картине около 500 цветов, относящихся к 138 видам растений.
Джон Уотерхаус «Песня весны» (1913)
Английский художник был одним из последних представителей прерафаэлитизма. Эти мастера опирались на творения деятелей эпохи Возрождения – например, Пьетро Перуджино или Джованни Беллини. Уотерхаус отдавал главные роли в своих произведениях женщинам, часто – героиням романтизированного Средневековья или древнегреческой мифологии.
На этой картине рыжеволосая героиня, в белом платье, с цветами в подоле, гуляет на природе с детьми. Ее тело символизирует жизненную силу, а рыжие волосы – страсть.
Альфред Сислей «Лужайки весной» (1881)
Французский живописец – один из самых недооцененных представителей импрессионизма. В ту эпоху его нежные глубокие картины померкли на фоне новаторских произведений коллег – однако они высоко ценятся сейчас.
В 1880 году Сислей вынужден был покинуть Париж, ставший слишком дорогим для него. В деревне его творчество обрело новую силу, стало более выразительным. На этой картине на деревьях совсем нет листьев, зато благодаря цвету чувствуется приближение весны. Героиней «Лужаек» исследователи уверенно считают дочь художника, которой тогда было 12 лет.
Исаак Левитан «Весна. Большая вода» (1897)
Одна из самых лиричных картин русского художника изображает момент половодья, когда вода затопила земли и деревья, обычно остающиеся сухими.
Если у других живописцев весна предстает изменчивой, то у Левитана она получилась неподвижной, как изображенная вода. Одну из самых светлых картин художника иногда называют музыкальной: плавный основательный берег сочетается с тонкими, как ноты, гибкими березками.
Весеннее половодье уже привлекало внимание живописца в гораздо более мрачной работе 1885 года «Половодье».
Джузеппе Арчимбольдо «Весна» (1573)
Итальянский художник жил в XVI веке, но его произведения легко перепутать с картинами сюрреалистов XX столетия. Он предвосхитил многие направления и настроения в искусстве будущего.
На этой работе сотни фотографически изображенных цветов составили фигуру мистической женщины. Щеки сделаны из роз, губы – из ярких лепестков, нос – из лилии, ухо – из камелии, модное испанское платье того времени – из листьев, ириса и дикой земляники.
У Арчимбольдо есть подобные картины и на остальные времена года. Необычные наряды были воспроизведены на фестивале с королем среди гостей.
Пьер Огюст Кот «Весна» (1873)
Весна во многом ассоциируется с импрессионизмом: эта эмоциональная, импульсивная техника как нельзя лучше передает самое изменчивое время года.
Но есть и те, кто смог изобразить весеннее настроение и с помощью методов классицизма. Причем успешно, да еще и в разгар расцвета импрессионистского течения.
Это получилось у французского художника Пьера Огюста Кота. Он изобразил двух влюбленных, в которых часто узнают героев древнегреческого романа «Дафнис и Хлоя», в нежный момент обмена чувствами на качелях в весеннем саду.
Лоуренс Альма-Тадема «Весна» (1894)
Еще один представитель академизма высказал свое мнение о весне. Британец нидерландского происхождения увлекался археологией и любил историю Римской империи, поэтому изобразил сцену из той эпохи.
Женщины и дети в характерных одеяниях идут через улицы мраморного Рима, празднуя оптимистичное время года. Альма-Тадема застал кубизм, импрессионизм, постимпрессионизм и футуризм, искренне принимал новые направления. Но сам был верен викторианскому академизму, поэтому его картины идеалистичные и гармоничные.
Клод Моне «Весна» (1872)
В 1871 году Моне перебрался из Парижа в маленький живописный городок Аржантей. Туда часто приезжали и коллеги художника для вдохновения и работы – это место имеет большое значение для импрессионизма.
Для «Весны» Моне позировала его первая жена Камилла Донсье – с книгой в руках под кустом сирени. Вторая жена импрессиониста Алиса Ошеде распорядилась уничтожить все вещи и изображения, связанные с Камиллой, но картины ей пришлось пощадить из-за их ценности. Так что работы Моне – единственное, что осталось от первой супруги художника.
Картина создана в короткий период, когда французский живописец заинтересовался символизмом, проживая в Париже. Лиса около девушки воплощает похоть. Позади героини идет свадебная процессия, стремящаяся совершить заявленные в названии действия.
Гоген всемирно признан гениальным творцом и новатором в искусстве. При этом его творческие качества плохо сочетались с личностными. Для картины позировала 20-летняя девушка Гогена, которую он бросил, когда она забеременела, уехав на Таити. Похожим образом он поступил и с женой ранее.
Винсент ван Гог «Цветущие ветки миндаля» (1890)
Несмотря на очевидную мрачность жизни депрессивного и нищего художника, который достаточно времени проводил в психиатрических учреждениях и санаториях, в его творчестве полно оптимизма и восхищения миром.
Цветущие деревья не раз появлялись на его полотнах. Эти он начал создавать, узнав о пополнении в семье брата Тео: у того родился сын. Ветки миндаля одними из первых раскрываются весной, что должно было стать символом новой жизни. Все произведение занято цветами, а в четкости линий ощущается влияние японского искусства.
Сегодня многие деятели искусства стремятся к более четким высказываниям в своих творениях, находя силу в том, чтобы донести до людей свои мысли. Однако не менее важны произведения, призванные вызывать конкретные чувства и эмоции, дарить радость, будоражить или напротив — успокаивать. Помня о терапевтическом эффекте, на который способно искусство, эксперты выбрали 9 картин — они могут подарить моменты спокойствия тем, кто обратится к ним за помощью.
Фредерик Лейтон «Пылающий июнь», 1895
Фредерик Лейтон «Пылающий июнь», 1895
Английский художник представляет официозный викторианский академизм. Эта картина долгое время не могла найти своего зрителя: сначала считалась потерянной, а затем не интересовала потенциальных покупателей. Однако на волне интереса к викторианскому искусству «Пылающий июнь» получил заслуженное внимание.
На картине напоминающая нимфу девушка спит скорее в театральной, чем удобной позе. Главный источник спокойствия картины — это мягкие, ласковые оттенки оранжевого.
Хироси Сугимото «Атлантический океан», 1989
Одной из главных тем творчества японского фотографа была быстротечность жизни. В 80-х он увлекся минималистичными видами океана и снимал серию «Морские пейзажи» по всему миру.
Каждое фото демонстрирует неяркий контраст воды и суши, а захватывающая перспектива напоминает, насколько человеческие проблемы несущественны. Отсутствие людей в кадре позволяет представить, как умиротворенно выглядела планета до нашего появления.
Ян Вермеер «Маленькая улица», 1657–1658
Культура традиционно воспевает неординарных героев и их выдающиеся судьбы. Однако нидерландский художник предлагает по-новому взглянуть на ничем не примечательную жизнь.
На картине, изображающей улочку в Делфте, дети играют, а женщины заняты повседневной работой. Ординарность подана с достоинством, которое мотивирует больше ценить свою жизнь и освобождает от волнений по поводу статуса и положения в обществе.
Каспар Давид Фридрих «Восход луны над морем», 1822
Один из главных романтиков-живописцев лишился матери в раннем возрасте и стал свидетелем смерти младшего брата. Пережитые страдания мотивировали его сделать меланхоличность частью своего творчества. Как ни странно, холодные и вызывающие ностальгию пейзажи Фридриха приносят больше умиротворения, чем яркие торжественные картины, популярные до него. Центральные фигуры этой работы кажутся статичными и незначительными, а природный фон, напротив, живым и могущественным.
Анри Руссо «Заклинательница змей», 1907
Большинство специалистов уверены, что французский художник-примитивист никогда не был в экзотических странах, а черпал вдохновение в Музее естественной истории и ботаническом саду в Париже. Однако его картины удивительно точно передают мир джунглей и привлекательность путешествий.
На этом полотне темнокожая Ева заклинает змею-обольстительницу, словно мистическое древнее божество. Сумрачность тонов и обездвиженность природы убаюкивают.
Рене Магритт «Стеклянный ключ», 1959
Картины бельгийского сюрреалиста знамениты благодаря своей примитивности и мистичности. Художник, как правило, изображал обыденные вещи в неожиданных положениях и обстановке, заставляя зрителя задумываться об объективности своего сознания. Магритт говорил, что его работы ничего не скрывают, но вызывают ощущение волшебства.
На картине «Стеклянный ключ» огромный камень грациозно расположился над массивной горой — и этот простой образ очищает голову от мыслей.
Хоакин Соролья «Поймать момент», 1906
Чаще всего испанский живописец создавал пляжные пейзажи. Вместе с семьей он каждое лето проводил в курортном французском городке Биарицц, который позднее стал популярным местом отдыха у знаменитостей: Чарли Чаплина, Уинстона Черчилля и Пабло Пикассо.
На картине дочь художника Мария готовится сделать фото камерой Kodak. Соролья, будто подражая уже популярному изобретению, пишет резкими, стремительными мазками.
Неизвестный автор «Чаша, отреставрированная методом Кинцуги», 1990
Японская традиция Кинцуги предписывает не выбрасывать разбитую посуду, а аккуратно склеивать кусочки составом с добавлением дорогой золотой пудры. За этим методом ремонта скрывается согревающая душу философия о том, что ошибки необязательно должны быть поводом для стыда и грусти.
В мире, где перфекционизм считается достоинством, чаша, которая с гордостью носит свои трещины, может стать источником успокоения и лекарством от паники.
Василий Кандинский «Синее небо», 1940
Русскому художнику не нравилось, когда его «Синее небо» сравнивали с «Охотником» Жоана Миро. «Я не сюрреалист», — настойчиво кричал он, по словам свидетелей. Картина действительно имеет мало общего с сюрреализмом.
На ее написание художника вдохновили окружающий мир и книга биолога Эрнста Геккеля «Красота форм в природе». Образы «Синего неба» похожи не на тревожные порождения сознания, а на реально живущих существ, которые будто бы улыбаются и задорно передвигаются по уютному пространству.
«Тихая обитель» И. Левитан
Этот пейзаж можно было поместить в список, только из-за названия. Но сама картина – просто квинтэссенция умиротворенности и спокойствия. Тихий летний вечер, спокойная гладь река, тропика, ведущая к монастырю, величавый лес, преобладание зеленых и голубых оттенков – все дышит покоем.
«Ночное» А. Куинджи
Этот неоконченный пейзаж считается прощальной картиной художника. А по настроению его можно сравнить только с колыбельной: тепло летней южной ночи, приглушенные полутона, бесконечные просторы, идеальная гладь реки – все это навевает сладкую негу сна и говорит: «завтра все пройдет».
«На Волге» Б. Кустодиев
Эта картина нехарактерна для творчества художника, который любил яркие краски, кипучие эмоции, размах сюжета. Здесь же, все это преобразуется в какое-то спокойное русло. Сама картина напоминает иллюстрацию рассказа русского классика о первой юношеской любви – весенний вечер, река, гитара, и объект этой первой любви. И весь мир, вся вселенная сосредоточена вокруг тебя! Кустодиев четко, но при этом деликатно говорит: «Как хорошо быть молодым!».
Таинственные и мрачные, тихие и спокойные, такие разные лунные пейзажи.
"Лунная ночь", Айвазовский
Не секрет, что большинство творцов предпочитают писать при ярком солнечном свете или при уникальном освещении рассвета или заката. Ночные же картины - это редко исследуемый вид художественного выражения, который требует исключительных способностей, а также мастерства иного рода.
В определенные фазы цикла Луна способна дать более чем достаточно света, чтобы скрасить темноту ночи и оживить все, что художник хочет изобразить под покровом темноты.
В этой статье мы рассмотрим некоторые из самых популярных лунных картин, когда-либо созданных, а также изучим мотивы и намерения, стоящие за усилиями каждого художника по созданию этих произведений.
1. Мужчина и женщина, созерцающие луну - Каспар Давид Фридрих
Мужчина и женщина, созерцающие луну - Каспар Давид Фридрих
Каспар Давид Фридрих запомнился как один из самых известных художников романтического периода, создававших исключительно красивые пейзажные картины.
Его стиль живописи в основном вращался вокруг дневных видов определенных мест, но одна картина, в частности, запомнилась как, возможно, самая известная из когда-либо созданных картин с изображением Луны.
На картине пара смотрит на луну со скалистого выступа, где из склона холма торчит дерево, создавая несколько жуткую и таинственную обстановку, которая усиливается мягким освещением.
Эта картина считается одной из лучших работ Фридриха, поскольку потребовалось невероятная точность творчества, чтобы воплотить в жизнь тонкое освещение, которое луна иногда привносит в ночное небо и пейзаж.
2. Замок и аббатство Линдисфарн, Святой остров, при свете луны - Джон Мур из Ипсвича
Джон Мур из Ипсвича начал свою карьеру как живописец без всякого обучения или руководства со стороны других художников и сумел стать действительно выдающимся художником к концу своей жизни, большую часть которой он провел в портовом городе Ипсвич, расположенном недалеко от Саффолка, Англия.
Одна из самых запоминающихся картин Мура известна как "Замок и аббатство Линдисфарн, Святой остров, при лунном свете". На этой картине, законченной в 1877 году, изображен захватывающий ночной вид на замок в Линдисфарне, который возвышается над окружающим пейзажем.
Этот небольшой остров когда-то был ареной страшного вторжения налетчиков-викингов в IX веке, но к моменту написания Муром этой работы он превратился в северный оплот Англии.
Луна ярко освещает пасмурное ночное небо, играя на спокойных водах в маленькой бухте у подножия замка.
3. Дорога с кипарисом и звездой - Винсент Ван Гог
Дорога с кипарисом и звездой - Винсент Ван Гог
Винсент Ван Гог считается одной из самых выдающихся фигур эпохи постимпрессионизма, и многие из его наиболее известных картин посвящены природным ландшафтам, а также городским пейзажам Европы 19 века.
Одна из его чуть менее известных картин, которую, однако, многие критики и искусствоведы считают шедевром, называется "Дорога с кипарисом и звездой".
Эта картина была написана в 1890 году и представляет собой характерный для Ван Гога вихревой стиль живописи, очень похожий на его "Звездную ночь".
«Дорога с кипарисов» запоминается спокойной ночной обстановкой, которую запечатлел Ван Гог, а также звездами и луной, которые видны по обе стороны от возвышающегося кипариса.
4. Ноктюрн, синий и золотой - Воды Саутгемптона - Джеймс Макнейл Уистлер
Ноктюрн, синий и золотой - Воды Саутгемптона - Джеймс Макнейл Уистлер
Джеймс Макнейл Уистлер был художником XIX века, известен своими работами, посвященными ночным пейзажам.
Он рисовал некоторые из самых престижных мест Англии и других частей Европы, но, в отличие от других художников, предпочитал изображать эти сцены под покровом темноты.
Одна из его самых знаковых работ называется "Ноктюрн, синий и золотой - вода Саутгемптона".
На картине изображена очень темная и тенистая сцена на берегу Ла-Манша в окрестностях Саутгемптона.
5. Кораблекрушение в море при свете луны - Томас Моран
Кораблекрушение в море при свете луны - Томас Моран
Штормы, которые часто обрушивались на корабли ночью в море, были одним из самых страшных явлений среди моряков вплоть до конца 19 века, когда в океанах стали господствовать суда с паровым двигателем.
Томас Моран, возможно, самый плодовитый из когда-либо живших художников-пейзажистов, известен своей уникальной способностью изображать на картинах самые красивые природные места всего мира.
Он посвятил свои усилия созданию сцены ужаса и страха открытого моря на своей картине 1901 года под названием "Кораблекрушение в море при свете луны".
Картина Морана отличается характерной для него высокой степенью реализма и изображает бушующее море, ярко освещенное луной, с мелкими обломками, плавающими на поверхности воды.
6. Лунный свет, свет Вуд-Айленда - Уинслоу Хомер
Лунный свет, свет Вуд-Айленда - Уинслоу Хомер
Уинслоу Хомер был известной фигурой в американском искусстве на протяжении 19 века и считался одним из самых одаренных пейзажистов того времени.
Он написал множество сцен, изображающих события Гражданской войны, а также время после нее, когда Соединенные Штаты начали расти и распространяться по западной части североамериканского континента.
Одна из самых высоко оцененных работ Гомера с ночными сценами называлась "Лунный свет, свет Вуд-Айленда".
Эта картина 1894 года представляет собой изображение береговой линии, расположенной на небольшом расстоянии от его студии в Портленде, штат Мэн, где он провел большую часть своих последних лет.
Картина подчеркивает сияние яркого лунного света, отбрасываемого на море прямо на фоне разбивающихся у берега волн. Плотные облака словно усиливают сияние луны и создают несколько потустороннюю сцену вдоль береговой линии.
7. Лунный свет, этюд в Миллбанке - Джозеф Мэллорд Уильям Тернер
Джозеф Мэллорд Уильям Тернер - один из самых известных представителей романтического движения. Он был исключительным пейзажистом и сумел передать красоту природы, которую можно было наблюдать в различных местах Англии и других частей Европы.
На этой работе 1797 года под названием "Лунный свет, этюд в Миллбанке" изображена яркая полная луна, парящая над Темзой в Миллбанке.
Картина имеет почти фотореалистичное качество, а изображение Тернером яркого сияния луны над рекой достаточно, чтобы зритель почувствовал себя стоящим на берегу знаменитой реки и любующимся спокойным ночным небом.
8. Лунный вечер - Аткинсон Гримшоу
Лунный вечер - Аткинсон Гримшоу
Аткинсон Гримшоу был известным художником викторианской эпохи, который запомнился как один из самых искусных художников в истории. Он сосредоточил основную часть своих усилий на ночных и лунных пейзажах.
Многие из его работ были посвящены городским пейзажам и окраинам различных городов Англии середины и конца XIX века, и художественные критики и энтузиасты того времени обратили на них внимание.
Одна из его самых примечательных картин называется "Лунный вечер" и представляет собой безмятежный вид на проезжую часть возле большого дома. Луна ярко светит высоко в небе и бросает свет на омытую дождем улицу и деревья внизу, в то время как одинокая молодая женщина идет по дорожке.
Освещение в этой работе часто рассматривается как настолько реалистичное и завораживающее, что только такой ночной мастер, как Гримшоу, был способен создать такую картину.
9. Лунный свет Бармута - Кристофер Уильямс
Лунный свет Бармута - Кристофер Уильямс
Лунный свет Бармута - Кристофер Уильямс
Уэльский художник Кристофер Уильямс почитаем за свою способность запечатлеть захватывающие дух сцены из разных уголков Англии и других регионов в конце 19-го и начале 20-го веков.
Он быстро поднялся и стал одним из самых известных художников своего времени, создав широкий спектр работ, включающих городские пейзажи, портреты и ландшафты, все из которых были выполнены мастерски. Одна из его наиболее интригующих работ называется "Лунный свет Бармута" и была написана в 1913 году.
На картине изображена светящаяся луна, ярко освещающая маленький, причудливый приморский городок Бармут.
10. Лунный свет в Неаполе - Иван Айвазовский
Лунный свет в Неаполе - Иван Айвазовский
Иван Айвазовский - один из самых известных живописцев, который большую часть своей карьеры посвятил созданию невероятных морских пейзажей.
Он является автором таких удивительных шедевров, как "Девятый вал" и других работ, которые способны поставить зрителя в такое положение, что он почти ощущает себя на морских волнах с океанскими брызгами, омывающими нос парусника.
Айвазовский создал одну картину, на которой изобразил луну во всей ее ночной красе, под названием "Лунный свет в Неаполе".
Эта картина, законченная в 1842 году, изображает тихую, спокойную ночь в бухте Неаполя. Луна светит над водой, освещая корабли, стоящие на якоре в гавани.
"Морской вид", И.К. Айвазовский, 1841.
"Гибралтар ночью", И.К. Айвазовский, 1844.
"Ночь на южном берегу", Н.Н. Дубовской
Николай Никанорович Дубовской также писал лунные пейзажи, он был широко известен в дореволюционное время именно как маринист, хотя, на мой взгляд, он не был настолько узкопрофильным специалистом. Его лунные пейзажи также очень реалистичны и
"Ночь на южном берегу", Н.Н. Дубовской, 1898
Наверное, каждый кто бывал на море, видел нечто подобное собственными глазами: лунная дорожка на слегка колышущейся водной глади, легкий ветерок, спавшая ночью жара и безмятежность внутреннего состояния.
Так плавно мы с вами и подошли к главному специалисту по лирическому пейзажу или пейзажу настроения. Две работы Исаака Ильича Левитана, написанные в один и тот же год - 1899, относятся уже к финальному периоду его творчества, ведь уже через год его не станет. Искусствоведы опишут этот период его жизни следующим образом:
Мотив спускающихся на землю сумерек часто привлекал художника. Очарование этого умиротворенного состояния природы особенно проникновенно передавалось им в поздние годы жизни, [...] период, отмеченный напряженными творческими раздумьями мастера, ищущего средства максимальной эмоциональной выразительности образа, стремящегося к остроте его звучания.
"Сумерки", И.И. Левитан, 1899
"Сумерки. Луна", И.И. Левитан, 1899
И далее продолжат, описывая вторую картину из представленных:
В меланхолических, пронизанных тонкой музыкальностью образах Левитана современники находили отражение переживаний одинокой и страдающей души, близких людям «конца столетия». «Сумерки. Луна» — замечательный образец зрелого творчества этого самого крупного русского мастера «пейзажа настроения». Призрачный лунный свет, зеркало озера, «удвоившее» мир, преобразили пейзаж, сделав его одновременно «похожим – непохожим». Одухотворенный и замкнутый в своих тайнах, отчужденный и холодный для человека, он замер в еженощном ритуале «предстояния» своему печальному светилу.
Ботаническая иллюстрация — специфический художественный жанр. Она обладает, казалось бы, несовместимыми качествами: с одной стороны, научная точность, с другой, мастерское живописное исполнение. В исключительных случаях художнику-ботанику удавалось передать в изображении еще и пронзительный восторг первооткрывателя, созерцательное оцепенение перед красотой и совершенством орхидеи, которая цветет раз в 15 лет, или южноамериканского цветущего кустарника, которому только предстояло придумать название.
Первые изображения растений появились еще в Древнем Египте и Месопотамии. Было это 4000 лет назад. Эти цивилизации отличались высоким уровнем сельского хозяйства и художественной культуры. Именно там и зарождалась ботаническая иллюстрация. Растения изображали на стенах дворцов, на посуде, вазах, сосудах для вина.
Живопись Древнего Египта. Фреска с садом и бассейном в поместье Небамона, 1350 до н. э.
Рисунками лотоса, сахарного тростника и различных фруктов часто украшали древнеегипетские усыпальницы, искренне веруя в то, что рисунки, оживая, обеспечат умершему безбедное существование.
Изображения растений встречается и в искусстве Древней Греции: в домах богатых греков, на стенах храмов, амфорах, вазах. Все эти изображения считаются ранними ботаническими. Они практически лишены сходства и похожести, представляя собой лишь узоры и орнаменты.
Со временем декоративные цели изображения растений сменились научными. Лекари, целители, ученые - все они стали стараться использовать, развивать, совершенствовать ботанический рисунок. Составлялись травники, где было не только описание целебных свойств растений, но и рисунок самого растения. Эти научные труды можно сказать, что передавались из рук в руки, постоянно дополняясь новыми свойствами, фактами, эскизами и опытными данными о пользе растений.
Когда мир был молод и полон загадок. Когда великие военачальники везли в захватнические походы ученых и художников, чтобы те исследовали завоеванные земли. Когда научные открытия требовали физической выносливости, недюжинной смелости и природной склонности к авантюрным приключениям. В этом мире без фотографии, поездов, самолетов, батискафов естествоиспытатель должен был обладать хотя бы минимальными навыками рисовальщика — чтобы при необходимости зафиксировать впервые встреченный, неизученный мох, бабочку или планктон. В арсенале ученого, снаряженного в заокеанскую экспедицию или находящегося на службе в королевском ботаническом саду, наряду с пинцетом, лупой, скальпелем и альбомом для гербария обязательно были акварельные краски.
Цветок водосбор Альбрехт Дюрер 1526
Фармацевтика, наука и реализм
До XVI века европейцам хватало одной-единственной книги о свойствах лекарственных растений. Она была написана в 77 году римским военным врачом Диоскоридом и снабжена иллюстрациями, выполненными с натуры. Книга «О лекарственных веществах» была настолько скрупулезно и обстоятельно составленным травником, что полторы тысячи лет переписывалась, перерисовывалась, обрастала поэтическими вставками, комментариями на разных языках и вполне годилась аптекарю, чтоб тот мог отличить азиатский подорожник от гадючьего лука, отыскать нужное противоядие от укуса змеи или вылечить лихорадку.
С началом эпохи Возрождения книга Диоскорида не теряет актуальности (многие известные ботаники будут опираться на нее еще в течение нескольких веков), но мир вокруг сильно меняется: Гуттенберг изобрел печатный станок, на мировой карте появились новые материки и острова, а на них — совсем другая растительность, другая пища, кора и травы, которые неожиданно оказываются панацеей от европейских болезней. Наконец, Земля стала вращаться вокруг Солнца, а не наоборот, а мир начал вращаться вокруг человека. И человек почувствовал свободу в познании мира, ответственность за его изучение.
А. Дюрер. Примула. 1526
Первыми авторами ботанических иллюстраций становятся художники. Для них точность изображения цветов и деревьев становится настолько же важной, как соблюдение пропорций человеческого тела и знание анатомии. Леонардо да Винчи и Альбрехт Дюрер посвящают ботаническим зарисовкам чуть ли не каждый второй лист в своих альбомах.
Как средневековый лекарь знал наизусть названия трав и сверялся при их заготовке с иллюстрациями Диоскорида (к слову, изрядно обезображенными и утерявшими сходство с настоящими растениями в результате бесконечных перерисовок) — так художник Ренессанса в стремлении следовать реальности составляет собственный травник. Впервые — с целью познания, изучения закономерностей и соответствия форм, а не с целью указать верный рецепт лечения.
Леонардо да Винчи. Ботанические зарисовки
Леонардо да Винчи изображая растения, исследовал их особенности, эстетические свойства. Это были не картины, а лишь зарисовки и эскизы. Леонардо да Винчи изобразил более 100 видов растений и около 40 видов деревьев. Он во истину испытывал необыкновенный трепет к природе, словно к великой сокровищнице человечества. Удивительнейшим образом он замечал малейшие детали растений и находил природные закономерности, перенося из на бумагу. Параллельно зарисовкам он вел заметки по ботанике: "Природа во многих растениях расположила листья последних ветвей так, что шестой лист всегда находится над первым, и так далее, в той же последовательности…"
Непентесы (Кувшиночники). «Красота форм в природе» Эрнст Генрих Геккель 1904, 32×24.5 см
Корабли и микроскопы
Следующее поколение авторов ботанической иллюстрации — это уже не аптекари и не художники-реалисты. Это поколение ученых. Тех, которые отправлялись в экзотические страны, проводили годы во влажных тропических лесах, мокли под дождями, страдали от морской болезни, возвращались домой с бесценными семенами, аккуратно завернутыми в мох или сухой песок, и с рисунками невиданных раньше растений, насекомых и птиц. Или тех, которые ухаживали за разросшимися королевскими ботаническими садами с оранжереями, редкими видами капризных растений, тщеславными планами превзойти ботаническую коллекцию соседнего монарха. Некоторым из них удалось так близко и пристально вглядеться в божественный замысел, в соответствии с которым организовано все живое в мире, что их акварельные зарисовки и раскрашенные вручную гравюры стали бесконечным вдохновением для многих поколений художников.
Махровый корончатый анемон и коричневая совка. Таити. Мария Сибилла Мериан
Цитрон с гусеницей-обезьяной и длинноногим арлекином. Мария Сибилла Мериан
Мария Сибилла Мериан, например, месяц плыла через Атлантический океан и потом два года жила в Суринаме, нанимала рабов, чтобы те рубили перед ней напролазные заросли. Мериан изучала суринамских насекомых — и стадии их превращения из личинок в бабочек с роскошными крыльями или отвратительных тараканов, которых ее благочестивые европейские соотечественницы именовали не иначе как «дьявольскими тварями».
На тот момент ей было уже 52 года — и она успела обучиться живописи и гравюре в мастерской отца и отчима, выйти замуж, сбежать от мужа вместе с детьми, стать успешным самостоятельным предпринимателем и автором нескольких книг о цветах. На дворе был, кстати, XVII век — и на такие научные подвиги решался далеко не каждый ученый-мужчина. А Мериан, естественно, не имела возможности получить образование, художественные материалы были доступны ей исключительно благодаря мужчинам-родственникам, которые могли их приобрести. Каждого жука, бабочку, ящерицу или гусеницу Мария зарисовывает акварелью в среде его обитания — на удивительных экзотических цветах.
Олеандр обыкновенный. "Культивируемые деревья и кустарники". Пьер-Жозеф Редуте. Гравюра, 1812, 30.7×22.3 см
Нарциссы и анютины глазки. Пьер-Жозеф Редуте, 1804, 21×27 см
Пьер-Жозеф Редуте препарировал и изучал растения в Королевских ботанических садах, а заодно зарисовывал коллекцию собранных здесь цветов. Ботаника — сфера, которая не претерпевает изменений от смены политических режимов. Ботаников не казнят вместе с королями и другими придворными. Изучать розы и лилии можно как при монархе, так и при императоре Наполеоне. Поэтому Редуте успешно пережил смену власти. Будучи королевским ботаническим художником, он писал цветочные натюрморты сначала для Марии-Антуанетты, а потом для Жозефины.
Мшанки. «Красота форм в природе» Эрнст Генрих Геккель • Графика, 1904, 32×24.5 см
Эрнст Геккель — немецкий ученый, который учился на врача, но серьезно раздумывал, не стать ли пейзажистом. К счастью, он стал естествоиспытателем и всю жизнь рассматривал в микроскоп планктон, медуз и стрекающих.
Базидиомицеты (Базидиальные грибы). «Красота форм в природе» Эрнст Генрих Геккель, 1904, 32×24.5 см
В итоге открыл 120 видов одноклеточных и издал книги, которые до сих пор вдохновляют художников и дизайнеров по всему миру. Он побывал на побережьях Сицилии, Египта, Алжира, Италии, на Мадейре и Тенерифе. Геккель умер в 1919 году — и застал эпоху в искусстве, когда изданные им альбомы гравюр вдохновляли художников на полуабстрактные эксперименты и даже архитекторов, которые стремились выстроить здания, в плане напоминающие строение открытых Геккелем медуз.
Книга Эрнста Геккеля «Красота форм в природе» выходила на рубеже веков — 10 альбомов по 10 оттисков. Каждая страница была организована так, чтоб сложная симметричность каждого вида участвовала в общем композиционном совершенстве.
Листья и плоды стеркулии малоцветковой (Sterculia parviflora) Марианна Норт, 1870, 34.9×38 см
Марианна Норт — британская художница, исследовательница, которая путешествовала только в одиночку и не везла с собой деревянных коробок для сбора семян с экзотических растений. 13 лет подряд, отправляясь в путешествия по всему миру, она брала только масляные краски. Дочь богатого землевладельца, она с ужасом думала о браке и называла его «ужасным экспериментом», который превращает женщину в слугу. В отличие от большинства ботаников-профессионалов, Норт писала растения в среде их обитания: крупные экзотические цветы на фоне уникального пейзажа. Такой созерцательный, живописный, способ исследования не помешал Норт открыть несколько неизвестных до сих пор видов растений, в том числе самый крупный плотоядный цветок, который назвали в ее честь — Nepenthes northiana. Пешком забираясь в места, по которым невозможно было проехать, Норт поселялась в лесной хижине и рисовала.
Цветок тропического кувшинчикового Непентес Нортиания (известняковые горы Саравак, Борнео) Марианна Норт, 1876, 50.4×34.8 см
Исследовательница и художница Норт никогда серьезно не училась, взяла только несколько уроков рисования. Но выставка ее работ, которая состоялась в Лондоне в 1879 году, имела оглушительный успех. Пораженная вниманием публики и газетчиков, Норт решила подарить все свои работы Ботаническим садам Кью. Отстроила галерею за свои деньги и по собственному проекту, и очень надеялась, что посетителям можно будет подавать чай, кофе и печенье. Директор садов Кью с радостью принял проект галереи, но с негодование отверг идею о чаепитиях. Это, в конце концов, место работы серьезных ученых, а не туристическая достопримечательность.
Плоды дикого тамаринда и красногрудый барбет, Ямайка. Марианна Норт, 1872, 25×19 см
Картины Марианны Норт — это живописные документы давно исчезнувших мест. Не прошло и нескольких десятков лет, как многие из них были задавлены безжалостными признаками цивилизации: дорогами, магазинами, почтовыми станциями и конторами.
Эти самые известные художники, авторы ботанической иллюстрации, и сотни других формировали особую художественную эстетику, основанную на научной точности и пристальном внимании к самым мелким деталям. Неудивительно, что совсем скоро эта эстетика будет подхвачена уже новыми, авангардными, художественными течениями и стилями.
Изучение горных пород и папоротников. Джон Рёскин 1843, 29.4×40.6 см
Вспомнить Дюрера и Леонардо
Во второй половине XIX века французская живопись переживает грандиозную революцию — сначала барбизонцы, а потом будущие импрессионисты выходят на пленэры и стремительно пишут впечатление от окружающего пейзажа, световые эффекты. Если соломинок в стоге не рассмотреть — их не нужно прописывать, если роща прячется за туманом — видны только приглушенные цветные пятна, а не миллионы отдельных листьев. Но это лишь центральный, а не единственный путь развития искусства.
В то же время французский художник-символист Одилон Редон выпускает сборники литографий с причудливыми растениями, у которых на длинных стеблях покачиваются грустные человеческие головы. И возможно, он не последовал за импрессионистами как раз потому, что главным его учителем был ученый-ботаник, смотритель Ботанического сада в Бордо, Арман Клаво.
Цветок из болота, человеческая голова и грусть. Одилон Редон, 1885, 27.5×20.5 см
Животные на дне моря, Одилон Редон, 1916
У Клаво была собственная теория о связях растительного и животного мира, над которой он серьезно работал. Но кроме этой, очевидно повлиявшей на Редона, теории смотритель Ботанического сада Арман Клаво делился с юным художником объемными гербариями и собственными ботаническими иллюстрациями, свежими книгами и соображениями об искусстве.
Где-то здесь, в кабинете известного ботаника, Редон открывает собственный художественный принцип: тщательно изучать природу, строение мельчайших живых организмов, чтобы потом, в студии, создавать химер и призраков по обнаруженным законам природы. Мало придумать растение с цветком-головой, нужно дать зрителю почувствовать, как по стеблю от корней движется влага, проникая в сложную систему кровообращения этого существа.
Сон наяву (Дневные мечты) Данте Габриэль Россетти, 1880, 158.7×92.7 см
На родине Чарльза Дарвина, во время грандиозных научных открытий в области естественной истории, тоже об импрессионизме речь не шла. В Великобритании самый влиятельный арт-критик — это Джон Рёскин, писатель и художник, который в каждом путешествии делает ботанические и геологические зарисовки и отстаивает точное следование природе. Художники из «Братства прерафаэлитов», которые идеями Рёскина очень вдохновлены, пишут только с натуры — и людей, и природу.
Рассказ настоятельницы (из «Кентерберийских рассказов» Джеффри Чосера) Эдвард Коли Бёрн-Джонс, 1869, 103.5×62.8 см
Офелия Джон Эверетт Милле, 1852, 76.2×111.8 см
Но в отличие от импрессионистов, подсчитывают количество листков и ягод на каждом кустарнике — им не трудно. Чтобы написать Офелию, Милле по несколько часов держит натурщицу в ванне, а чтобы окутать ее правильными цветами, делает натурные зарисовки. Женские фигуры на картинах прерафаэлитов утопают в цветах, причем, определить вид растения и основные его ботанические характеристика не составляет труда. Следовать природе в мельчайших деталях, считают художники, — это единственный путь, способный вывести британское искусство из болота, в котором оно погрязло. Семена, посеянные прерафаэлитами, прорастут тонкими, изогнутыми стеблями, причудливо перевитыми в декоративные узоры, уже скоро, к концу XIX века. В модерне.
Ветки с фруктами. Эскиз Уильям Моррис 1862
Постботаника, бумага и стекло
В ХХ веке кто угодно может сесть на корабль или на поезд — и отправиться путешествовать, искать счастья и богатства в далеких, беспризорных землях. Все континенты открыты, неисследованных мест остается все меньше. Когда-то дикие леса исхожены, тропы проложены, туземцы надели европейские платья, приняли крещение и научились говорить по-английски. Ботанические атласы сформированы, классификации растений придуманы, невиданные птицы и насекомые изучены.
Дело художника — отвоевывать сферы влияния, до которых не добралась промышленная революция, расселять экзотических существ и растительное буйство прямо по домам уставших европейцев. Художники и скульпторы эпохи модерна выбирают растительные мотивы, плавные линии, имитируют выцветшие краски старых изящных ботанических гравюр, раскрашенных акварелью, добавляют золота. Их искусство уже не ограничивается залами галерей — оно проникает в частные дома в виде торшеров, обоев, панно, вычурной мебели.
Цветы: Гвоздика Альфонс Муха • Плакат, 1898, 103.5×43.5 см
Цветы: Лилия Альфонс Муха • Плакат, 1898, 103.5×43.5 см
С другой стороны, художники, которые сражаются за новое абстрактное искусство, лишенное сюжетной нагрузки, в восторге листают переизданные книги Эрнста Геккеля — и находят вдохновение и чистое совершенство в причудливом переплетении скелетов одноклеточных. Пауль Клее и Василий Кандинский говорят о серьезном влиянии «Красоты форм в природе» на свои поиски. Клее мечтает когда-нибудь вырастить картину, как растят цветок. Архитектор Хендрик Петрюс Берлаге проектирует здания, в плане повторяющие строение медуз, зарисованных Геккелем. Бесконечные цветы Джорджии О’Киф очень напоминают масляные зарисовки Марианны Норт.
Работы современных художников Kate Kato, Rogan Brown, Leopold and Rudolf Blaschka, Gerhard Lutz:
Влияние самых блестящих научных иллюстраций на искусство никогда не прекращалось — и сегодня молодые художники создают скульптуры из металла, керамики, стекла, бумаги под впечатлением от книг ученых-естествоиспытателей, живших 300 лет назад. Тоска по миру, который был молод и полон загадок, жажда открытий и новых знаний ведут их к поискам неожиданных техник и смыслов.
Автор: Анна Сидельникова
Залавная иллюстрация: Мария Сибилла Мериан, Цветок и плоды банана; Эрнст Геккель, Зеленые водоросли: десмидеи; Пьер-Жозеф Редуте, Гранат.
Еще наши древние предки начали создавать искусство. Согласно мнению археологов, первые проявления символизма в искусстве отмечаются у ранних гоминид. В наше время специалисты обнаружили множество примеров подобного искусства, и в данной подборке представлены некоторые из наиболее известных древних рисунков и скульптур.
Наскальные рисунки эпохи мезолита
1. Наскальные рисунки эпохи мезолита
Эти уникальные наскальные рисунки обнаружили в пещере Шове близ Авиньона, Франция, и похожие — в пещерах Ласко в районе Бордо. Большинство рисунков в пещере Шове сделаны ранними современными людьми между 28 000 и 37 000 лет назад, а рисунки в пещерах Ласко появились около 17 000 лет назад.
2. Скульптуры из костей животных
Скульптуры из костей животных находили в основном в разных местах Европы: во Франции, Испании и Германии. На фото выше — Венера Брассампуйская, фрагмент скульптуры из кости мамонта эпохи позднего палеолита, обнаруженный во Франции. Ей примерно 25 000 лет.
3. Скульптуры Венеры
Богиню Венеру часто изображали на скульптурах: в Европе находили более 200 доисторических женских статуэток, посвящённых ей и вырезанных из мягкого камня или кости. Они были изготовлены 26 000 — 21 000 лет назад, но возраст самой древней из них, найденной в Германии, может превышать 35 000 лет. На этой фотографии — знаменитая Венера Виллендорфская, которая была высечена из камня около 30 000 лет назад.
4. Яванская свинья
Этот наскальный рисунок с изображением яванской свиньи нашли на индонезийском острове Сулавеси. Ему около 45 500 лет и, возможно, он является самым ранним из когда-либо найденных подобных рисунков. По словам учёных, в Индонезии много примеров наскального искусства, которые опровергают идею о том, что традиция наскальных рисунков зародилась в Европе и распространилась оттуда.
5. Рисунки неандертальцев
Неандертальцы тоже создавали произведения искусства. Эту резьбу нашли на стене пещеры во Франции — она была сделана до 75 000 лет назад, за много тысяч лет до появления Homo sapiens в Европе.
6. Резьба по кости
Неандертальцы также занимались резьбой по кости и дереву. в пещере в Германии. На фото выше — резьба на фаланге оленя, сделанная неандертальцами. Археологи считают, что ей около 51 000 лет.
7. Рисунки из Южной Африки
Этот камень с рисунком нашли в пещере Бломбос в Южной Африке. Рисунку около 73 000 лет, и археологи считают, что его нарисовали ранние представители вида Homo sapiens.
8. Подвески с орлиными когтями
Подвески из орлиных когтей обнаружили в древнем скальном убежище в Хорватии. Скорее всего, неандертальцы сделали их 130 000 лет назад.
9. Остатки деревянной конструкции
Эти остатки деревянной конструкции возрастом 476 000 лет нашли в Замбии. Они сохранились в глине и свидетельствуют об искусном использовании дерева, которое древние гоминины применяли для создания произведений искусства.
10. Отпечатки рук, найденные в Тибете
В районе горячего источника в Тибете нашли окаменелые отпечатки детских рук, которым, возможно, 200 000 лет. Они могут представлять собой одно из самых древних произведений искусства — но археологи спорят, можно ли считать такое искусством, и всё ещё уточняют возраст отпечатков.
11. Рисунки на раковине
Эти зигзагообразные узоры на раковине, найденной в Индонезии, предположительно сделал представитель вида Homo erectus 540 000 лет назад.
12. Выемки в камне
Камни с такими выемками находили почти на всех континентах и во многих культурах. Неизвестно, для чего их делали, но археологи считают, что самым ранним из них может быть 1,7 миллиона лет.
13. Сферы из камня
Подобные каменные сферы размером с бейсбольный мяч находили в местах изготовления орудий труда в Африке, Азии и Европе. Возраст самых ранних из них достигает 2 миллионов лет, но их назначение неизвестно. Возможно, это были попытки создать произведение искусства.
Художник Лю Йуньшен родился 1937 году в провинции Шаньдун на востоке Китая. Окончил Академию изящных искусств, завоевал множество профессиональных наград. В Китае Лю считается народным художником. Герои его картин будто бы сошли с тибетских высот, настолько реален каждый штрих на картинах Лю. Свои работы Йуньшен создает по памяти: каждый сюжет — это воспоминание художника из жизни на Тибете.
Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.
Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).
Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!
Смех
Интерес
Вдохновение
Красота
Умиление
Радость
Удивление
Трогательно
Гнев
Отвращение